“Pee-Wee’s Playhouse sorprendió a todos”, me dice, “porque no había nada parecido en la televisión en ese momento. Éramos un grupo de bichos raros de Nueva York. Todo lo demás en la televisión se hacía en Los Ángeles”. Su héroe artístico fue el maestro dibujante de dibujos animados, R. Crumb, cuya influencia se combinó con un vocabulario artístico del expresionismo alemán y paquetes de cereales y detergentes de mediados de siglo; el resultado fueron tres premios Emmy por diseñar el entorno de Pee-Wee. Wayne también fue uno de los titiriteros y me ofrece un resumen de todas las voces que les dio a los títeres mientras interactuaban con Paul Reubens para el entretenimiento de todos los niños criados en la década de 1980. El trabajo lo llevó a dirigir una serie de programas de televisión para niños, dirigir el video “Big Time” de Peter Gabriel y “Tonight, Tonight” de Smashing Pumpkins. En el camino, teje historias sobre el acecho del caricaturista Art Spiegleman para asistir a sus clases en la Escuela de Artes Visuales, inspirándose en un joven Matt Groening, recuerda a Gary Painter en el apogeo de su reinado como rey de los dibujos animados de punk rock y conoció a la leyenda de los dibujos animados de la nueva ola Mimi Pond, con quien Wayne se casó y cuyo trabajo los llevó inicialmente al sur de California (Pond escribió el guión para el primer episodio completo de Los Simpson).
Por supuesto, ¿qué historia de vida de un artista estaría completa sin ponerse una enorme cabeza de títere de Lyndon Baines Johnson para contar adecuadamente la historia de Estados Unidos? Wayne White no es una visita normal al estudio. Mientras recuerda sus viajes por Estados Unidos y sus roces con la gloria, sus pinturas en el estudio reflejan de repente una poética americana, que podría parecer un poco hastiada, irónica o falsamente kitsch si se agregaran otros actores o escenarios a sus composiciones. Pero es una tarea seria con la poesía simple de las palabras de White y el arte del tono, la forma y el sombreado de las letras. El resultado final son pinturas únicas en un mundo del arte repleto de conformidad. Siempre hay lugar para un original americano y, en este caso, también hay compradores. Ha vendido alrededor de 400 de sus pinturas en poco más de una década y ahora está planeando una exposición en una galería, con nuevas pinturas y un regreso a su pasado como titiritero con elementos escultóricos. Se está refinando y presentando un espectáculo escénico en los márgenes de la escena teatral del sur de California, un lugar que el mundo del arte hasta ahora teme pisar.
Sin embargo, una mirada más cercana a cualquiera de sus pinturas lleva al espectador a las raíces del arte de White: los cómics. La clásica historia de éxito estadounidense de White está influenciada por la forma de arte popular más estadounidense. Era el dibujante de cómics del periódico de su escuela secundaria. Vio la revista Raw y se mudó a Nueva York sin contactos en la ciudad pero con el deseo de estar a la vanguardia de las caricaturas. Él llama a la composición de sus pinturas “máquinas de Pachinko para el globo ocular”, pero la estructura, especialmente con el marco limpio que los paisajes prefabricados de antaño brindan a cada imagen, es esencialmente una celda cómica.
Estos espacios teatrales enmarcados ofrecen sus meditaciones poéticas con su fraseo claramente influenciado por el omnipresente globo de palabras del estilo de las historietas. Podría ser un heredero del legado pictórico de Magritte, pero señala que la belleza inexpresiva del bombín está tan profundamente vinculada a las debilidades del hombre común de las comedias clásicas de Buster Keaton como a las narrativas tejidas y prolijas de la historia del arte.
Las palabras que pinta Wayne White son como los personajes animados que han dominado la conciencia popular durante más de un siglo. Desde Katzenjammer Kids hasta Crumb’s Keep on Truckin’; desde Coochie Cootie de Robert Williams en Zap Comics hasta el precursor de Maus en Raw, pasando por el propio Bart Simpson, White pinta palabras, frases y oraciones individuales como personajes memorables, cada uno de los cuales actúa en una producción teatral de un solo panel de la mente cómica que cobra vida como un guión en un escenario prefabricado. Cuando la carne se convierte en palabra para habitar entre nosotros, no es como el ello desenfrenado de un actor o director; White privilegia al poeta como guionista de estas mágicas células en un acto. Los resultados son tan ingeniosos y sabios como cualquier obra de arte que exista, más entretenidos que cualquier teoría del arte seco en las escuelas, son tan inspiradores y mordaces como el mejor arte callejero y parecen tan conceptualmente clásicos hoy como debieron haber aparecido los paisajes de sus grandes almacenes hace cuarenta o más años en las cien mil casas en las que fueron colgados. Si la escena manchada de nicotina de su abuelo de una granja idílica que el vendedor de muebles presentó como extra terminó en una tienda de segunda mano después de que se establecieron en la propiedad, Wayne White podría tener una frase que retocar, torcer y clavar para encender nuestra memoria colectiva de un Estados Unidos que era más real en las paredes de nuestra sala de estar de lo que las palabras podrían recordar.*
Este artículo apareció originalmente en el número 19 de Hi-Fructose, que está agotado. Obtenga el último número impreso de Hi-Fructose suscribiéndose aquí.
Credit Post By: Mat Gleason