La raíz del trabajo de Morgan comienza con las sesiones fotográficas que realiza con sus modelos. Aquí es donde se forma el intenso vínculo entre el artista y el sujeto, y ese sentimiento inicial de tensión y exposición en sus retratos se origina en este proceso. “Pedirles a estas personas que sean vulnerables conmigo y mi lente crea un momento único que disfruto durante la realización de la pintura. Sin embargo, irónicamente, veo mi uso del color como una forma de ropa o una cubierta. El color vidriado y otras técnicas que uso, como difuminar y lijar, ofrecen distancia entre el espectador y el sujeto vulnerable y desnudo”. Morgan trabaja directamente a partir de sus referencias fotográficas impresas y construye al menos dos capas de la figura pintada, antes de optar por difuminar la pintura húmeda y lijar la pintura seca con papel de lija o aplicar un esmalte de color encima de la figura. Estas alteraciones del realismo son su forma de alejarse del mundo “real” y situar al sujeto en un nuevo espacio.
Preocupada por crear un retrato crudo y emocionalmente genuino, su objetivo nunca es adular. “Lo que más me gusta de mi trabajo es poder conectarme con las personas en mi vida de una manera que no sería posible por otros medios”, dice.
La escala, así como el color, es un aspecto igualmente importante del trabajo de Morgan. Algunas de sus pinturas presentan múltiples cuerpos a gran escala en lienzos de tamaño monumental; el más grande mide entre seis y ocho pies de alto y cinco pies de ancho. “Para mí es importante que la figura sea más grande que la vida real. Aumento la escala del cuerpo para que se sienta más que humano y fuera de la experiencia diaria. El tamaño y la escala de la pintura siempre están determinados por cuánto espacio creo que el individuo necesita ocupar psíquica y físicamente”, explica. La incorporación de colores como rojos, amarillos, azules y naranjas verdaderos y elementos gráficos se recogen inconscientemente de su entorno en el estudio o estudios. Estas cualidades gráficas se yuxtaponen con los componentes más refinados, particularmente en la cara, las manos y los genitales, una sexualidad abierta que es el aspecto más tierno del arte de Morgan, especialmente de sus autorretratos. “Entiendo que me siento atraído por el desnudo no sólo por sus raíces históricas del arte, sino también por mi propia incomodidad con la sensualidad. Es una dualidad: disfruto de la vulnerabilidad de la piel y luego, por momentos, me siento mortalmente avergonzada y expuesta. Elijo enfrentar la incomodidad y explorar lo que más me desafía”.
Históricamente, el desnudo ha sido utilizado como expresión de la belleza y las cualidades humanas, y también ha sido transformado por los artistas en un objeto estético.
Las pinturas de Morgan equilibran una delgada línea entre los dos, incorporando una estética y un diseño hermosos y elaborando la complexión única de su sujeto. Con cada nueva pieza ejercita más su voz abstracta. “Siento que, naturalmente, me tambaleo en muchas líneas y encuentro que la calidad del trabajo es a la vez frustrante y empoderante.
Para mí, definir la individualidad en un retrato es incrustar en la pintura el alma o la sensación de una persona específica. Esta individuación se logra mejor con el contacto visual directo entre el sujeto y el espectador”, dice. El concepto de la mirada desnuda se hizo popular por primera vez con el surgimiento de la filosofía y la teoría social posmodernas, a saber, el análisis del intelectual francés Jacques Lacan sobre el papel de la mirada como espejo de la psique humana. Esta idea se extendió a la teoría feminista, donde puede abordar cómo los hombres miran a las mujeres y, viceversa, cómo las mujeres se miran a sí mismas.
Fue un momento difícil y procesé todo mediante el uso del color; los tonos intensos eran reconfortantes y estabilizadores.
Credit Post By: Caro