Al observar los personajes que dibuja Howell (en un autodescrito “estilo suelto y extraño” que desarrolló cuando iba a espectáculos punk en el Área de la Bahía en las décadas de 1980 y 1990 y se metió en la cultura de las revistas), el espectador siente una esencia áspera, alegre, aguda y traviesa que impregna a todos los personajes, incluso cuando a veces expresan la tristeza, la frustración o el aburrimiento que todos experimentamos. Cuando se le preguntó si siempre había perseguido el tema general de representar la condición humana, Howell bromeó: “Todo se trata de mí. En serio, sin embargo, si no te dedicas por completo al trabajo, entonces no se trata de ti, así que trato de poner lo más posible de mí en ello. No me gusta hacer arte político ni nada por el estilo. Estoy loco, como tú: simplemente no quiero dibujar sobre eso todo el día. Ya estoy bastante loco. y el arte es algo que me da alegría, por eso me gusta separarlo”.
Dibujar personas y animales, en particular perros, por los cuales Howell claramente siempre tiene debilidad (“Me encanta el amor que tienen para darte, ¿sabes? Siempre lo he hecho. Es puro”), esto ayuda a darle esa alegría a Howell. Pero atribuye sus éxitos a ese espíritu punk de bricolaje que Howell habita y vive hasta el día de hoy.
Tomemos la historia original de su participación en Bob’s Burgers: “Estaba trabajando en una cafetería en Mission (en San Francisco), y este amigo mío me presentó a este tipo, Loren (Bouchard, el creador de Bob’s Burgers), que venía a tomar café todas las mañanas y me decía: ‘Este es el tipo que produjo Dr. Katz e hizo Home Movies’, y pensé: ‘Oh, hombre, me encantan esos programas, así que comencé a rapear con él y finalmente le entregué mis fanzines. sin receta, y acabamos de desarrollar una relación. A Loren le gustaba este arte extraño y suelto en ese momento, y eso también era lo mío “.
A partir de ahí, Howell trabajó en los cortos de YouTube Forest City Rockers, sobre una pandilla de motociclistas con una motocicleta, que llamó la atención de Audrey Diehl, entonces en Nickelodeon, y condujo a una propuesta exitosa para la serie animada Sanjay and Craig, que duró tres temporadas. En el medio, Howell siempre siguió moviéndose, siguió dibujando, siguió viajando.
“VOY POR EL PAÍS HACIENDO RETRATOS EN FESTIVALES GRATIS, Y HAGO ZINES Y LOS ENTREGO GRATIS (O COMO CINCO DÓLARES), PORQUE TODAVÍA TENGO LA SANGRE FUGAZI EN MÍ”.
Hoy en día, Howell está hablando con gente de Bento Box Productions sobre algunas nuevas ideas televisivas, pero como lo hacía en sus días de cafetería y fanzine, persiste en presentar su trabajo a tanta gente como puede, sólo para ver qué funciona, y eso incluye llamar él mismo a empresas al azar, incluso si están fuera de su alcance. “Acabo de terminar de hacer algo para Chipotle, y me encanta trabajar para compañías como Vans o cualquier cosa que se adapte naturalmente a mi estilo, como el estilo de patinar o surfear. Pero, quiero decir, llamaré a compañías que no creerías que necesariamente encajarían naturalmente, solo porque sí. Llamaré a Hermes o Chanel. ¿Por qué no? Tienes que intentarlo porque no sabes qué funcionará”.
Para Howell, publicar el trabajo al mismo tiempo significa mantenerlo accesible para todos: “Es mi ética punk de bricolaje. Y siempre trato de mantener mi trabajo asequible, por ejemplo, podría vender algo por unos treinta mil dólares, pero nunca haré eso, y voy por todo el país haciendo retratos en festivales gratis, y hago fanzines y los reparto gratis (o como cinco dólares) porque todavía tengo la sangre Fugazi en mí.
“No quiero vender un dibujo de treinta mil dólares. Prefiero hacer un mural de treinta mil dólares que sirva a la comunidad. Odio cosas como Burning Man, donde pasas todo el año haciendo esta costosa obra de arte que sólo la gente rica que puede pagar boletos caros para ir al desierto y ser parte de una escena puede ver; ese no es mi estilo en absoluto”. Prefiero tener algo sólido en la comunidad que todos puedan disfrutar para siempre”.*
La próxima exposición individual de Jay Howell se inaugurará en enero en la 111 Minna Gallery de San Francisco. Busque avances de ellos aquí.
Este artículo se publicó originalmente en Hi-Fructose Número 74. Obtenga una copia impresa del número completo aquí.
Credit Post By: Jessica Tagami