“No quiero limitar mi trabajo a retratar niños”, dice Watanabe, “pero, en mi cabeza, veo a los niños comenzar a moverse en la pintura. Si puedo acceder al espacio y transformarlo, la obra pasará de ser un objeto destinado a ser apreciado a un espacio funcional como una herramienta. Con solo hacer que mis hijas entren en un espacio pintado creado por otros, el espacio no cambiará, pero aun así logrará cambiar por alguna razón difícil de expresar con palabras. ¿Son las hijas como las únicas puertas abiertas en ¿El espacio? Eso me da alegría”.
Hay una inmensa sensación de alegría que parece llenar a Watanabe también cuando opina sobre las obras de arte occidentales que copia. Está especialmente fascinado por la búsqueda de los viejos maestros por capturar las variaciones de la luz y la oscuridad. Una diferencia importante que encuentra entre las tradiciones artísticas de Japón y Occidente, en general, es el uso del delineado.
“Dado que los japoneses han usado pinceles desde la antigüedad”, dice, “han capturado objetos y personas en contornos. Con el tiempo se convierte en una expresión ukiyo-e, una técnica de colocar colores planos en el contorno”.
Mi idea era buscar una pintura pura que eliminara cualquier ruido de la pintura original”.
Si bien su capacidad para copiar viejos maestros mejoró con la práctica, también mejoró después de que comenzó a hacer una crónica y a aceptar esta diferencia esencial. Los contornos y los colores aplanados fueron, durante un tiempo, una trampa que le impidió capturar plenamente los estilos del artista europeo que pretendía imitar.
De todas las pinturas que copió, la que encontró más estimulante fue “El Descendimiento de la Cruz” de Peter Paul Rubens. Colocó la escena dinámica y diagonal en medio de uno de los bosques de Henri Rousseau. La presencia de la obra de Rubens juega con el aspecto primordial del paisaje de Rousseau. Lo salvaje e incognoscible se vuelve generativo y genera algo con lo que el espectador puede identificarse.
“El realismo me recuerda a una teoría del movimiento del suelo gris y a un espacio newtoniano vacío. Cuando pienso en Miguel Ángel, pienso en cuerpos excesivamente caricaturescos. Botticelli es todo escenario. Aquel ‘El Descendimiento de la Cruz’ fue una producción de estudio y, realmente, no muy buena. Pero me alegré cuando lo hice porque creo que me acerqué un poco a cómo pintaba Rubens. Quiero intentarlo de nuevo, sólo que más grande”, dice Watanabe.
Otro punto en común entre las pinturas recientes de Watanabe es su tamaño invariablemente grande. El nivel de detalle requiere de dos a tres meses de principio a fin para cada obra. (Watanabe bromea diciendo que los detalles requieren un poco más de atención que antes ahora, desde que comenzó a usar gafas para leer).
Los preparativos comienzan trabajando en cómo ampliar o reducir el trabajo original que citará. Una ráfaga de bocetos le ayuda a superar ese proceso. Los proyectores no sirven para el trabajo, ya que la lente puede distorsionar la imagen original. Una vez que el boceto obtiene los resultados que busca, Watanabe aplica con una espátula una fina capa de yeso con carbonato de calcio por todo el lienzo. El color base se aplica tres veces en acrílico y luego la escena y las figuras se calcan de manera tosca. Los detalles en bruto se pintan al óleo y usa un abanico para quitar los ojos del pincel. A continuación se añaden los detalles, primero calcados y luego al óleo.
Sin embargo, una parte importante de los meses necesarios para realizar estas pinturas se dedica a bocetos preparatorios. “Es difícil cambiar la imagen una vez que ya no tienes más que dibujar”, dice Watanabe. A pesar de su suma importancia para su proceso, el artista descarta el boceto una vez cumplido su propósito.
“El realismo me recuerda a una teoría gris del movimiento del suelo y a un espacio newtoniano vacío. Cuando pienso en Miguel Ángel, pienso en cuerpos excesivamente caricaturescos”.
La juventud de Watanabe la pasó rodeado de libros de arte y en visitas al museo. Su madre, pintora aficionada y graduada de la escuela de arte, sería su guía en esos viajes. El arte, sin embargo, no era un gran interés en ese momento. Eso cambió después de que hizo una pintura al óleo que recibió grandes elogios de su madre artística.
Las escuelas secundarias y preparatorias locales ofrecían pocas actividades extracurriculares relacionadas con el arte. Las clases de arte disponibles “carecían de sentido” y una clase de música era menos una salida creativa que, en palabras de Watanabe, un “recuerdo amargo”.
Él dice: “Soy autodidacta. En mi escuela secundaria no había un profesor de arte y no estudié arte en la universidad. Aprendí de los libros de técnica que mi madre guardaba, pero sus lecciones aún eran bastante limitadas”.
Aún así, un llamado a pintar sonó profundamente desde dentro. El matrimonio dio lugar a hijos y Watanabe sabía que necesitaría ganar dinero de una forma u otra. Apostó por su arte y planeó una exposición individual en Tokio. Casi al mismo tiempo, escribió una obra de teatro que presentaron unos amigos en un teatro local. Las ventas de esa primera exposición individual y de la obra financiaron otra exposición en Ginza.
Por esa época, la economía de Tokio explotó y el poco dinero que Watanabe ganaba con el arte comenzó a agotarse. Sin embargo, las cosas cambiaron después de que ganó diez millones de yenes (aproximadamente 90.000 dólares) en un concurso de arte de alto riesgo. Esa victoria atrajo la atención de las ferias de arte y de Christies en Hong Kong.*
Este artículo apareció originalmente en el número 54 de Hi-Fructose, que está agotado. ¡Obtenga nuestro último número con una nueva suscripción aquí!
Credit Post By: Clayton Schuster