El pasado mes de enero, en el espectáculo anual de la Asociación Nacional de Comerciantes de Música (NAMM) en Anaheim, California, el guitarrista de Slayer, Gary Holt, presentó una guitarra adornada con dieciocho viales de su propia sangre. Le había encargado al artista Vincent Castiglia, de treinta y cuatro años, radicado en la ciudad de Nueva York, que pintara la guitarra y, de acuerdo con el exhibicionismo rudo y juguetón de todo el proyecto, el artista extrajo la sangre que finalmente usó para la obra de arte de Holt detrás del escenario después de un concierto en Long Island. La revelación en NAMM atrajo una gran atención por parte de la prensa. Cubierto por publicaciones que iban desde medios de música metal y enclaves de terror en línea hasta el canal Noisey de VICE, fue el tipo de espectáculo excepcionalmente adecuado para atraer la atención de los medios. Un truco loco y macabramente divertido con una presunción central irresistible: el dios del metal tiene la guitarra pintada con su propia sangre.
Naturalmente, el propio artista, Castiglia, también fue el centro de atención. Lo que me llamó la atención de este proyecto y su desenlace en el NAMM fue cómo la vertiginosa cantidad de cobertura de prensa, casi inevitablemente, pasaba por alto la obra de arte en sí. La pintura de sangre de Castiglia en la guitarra de Holt es una meditación oscuramente conmovedora sobre ese icónico ángel caído, Lucifer. En manos de Castiglia, Satanás es representado como una figura inquietante, casi arrepentida, y el peso de su ambivalencia aumenta su mística bíblica. Pero en medio del clamor ensordecedor de otros factores (Slayer, guitarras personalizadas, la pura locura del fandom del metal), probablemente fue difícil apreciar el arte en sí. La guitarra personalizada, a la que Castiglia dice que algunos se han referido como “la cosa más metálica que jamás haya existido”, es en cierto modo emblemática de la carrera de Castiglia en su conjunto: la tensión entre la percepción del exhibicionismo y la realidad de un artista serio que casualmente usa su propia sangre.
Castiglia comenzó a experimentar con la pintura con sangre en el año 2000. Tenía dieciocho años. En 2003, lo utilizaba exclusivamente.
Si bien un puñado de artistas imitadores que también usan sangre han surgido desde que Castiglia comenzó a atraer mucha atención a fines de la década de 2000, es dudoso que alguno pueda hablar con la misma fe incondicional. Dice que la motivación detrás de la técnica surgió del deseo de conectarse con su trabajo en un nivel más íntimo.
Cuando empezó a pintar con su propia sangre, “fue un período de tiempo particularmente intenso”, dice. “Lo comparo con una hemorragia. Cuando la presión aumenta más allá de cierto punto y el vaso se rompe”. La analogía puede sonar espeluznante, pero Castiglia aclara que las rupturas siempre tienen una “intención de comunicar”. En otras palabras, el médium puede haber nacido de un lugar de dolor psíquico, pero no se contenta con hundirse en la desesperación; el acto en sí es un gesto hacia la transformación. Y, según él, el plasma humano es mucho más que un simple accesorio gratuito de una película de terror. “Todo lo que somos está contenido en la sangre.
Si crees que contiene energía psíquica o si crees que contiene más que eso, es interesante para mí”.
Todo lo que somos está contenido en la sangre. Si crees que contiene energía psíquica o si crees que contiene más que eso, es interesante para mí”.
Castiglia comenzó a mostrar su trabajo en exposiciones colectivas a mediados de la década de 2000. En muchos sentidos, su estilo y sus motivos predominantes llegaron completamente formados, como si se hubieran estado cociendo en su interior durante años. Parecía que no necesitaba tanto crecer o evolucionar como artista, sino que simplemente tenía que purgarlo todo. Una de sus primeras pinturas importantes, “Feeding”, es un resumen cautivador del tema que alimentaría el trabajo de Castiglia durante la siguiente década.
Arquetipos, enfermedades, desfiguraciones, el ciclo regenerativo de la vida y la muerte: todo está ahí. Esa “Feeding” inevitablemente provoca una respuesta complicada del espectador, llena de retrocesos y reexámenes, llega a algo de vital importancia para desbloquear el trabajo de Castiglia. Morbosa y angustiosa al principio, la deteriorada mujer en silla de ruedas, amamantando a su bebé recién nacido, eventualmente resurge como algo más estrechamente alineado con la trascendencia y la perseverancia. Las madres jóvenes con hijos pequeños sucumben a enfermedades y aflicciones todos los días.
El tema de Castiglia no es tanto una monstruosidad improbable como una figura arquetípica: la madre que, habiendo dado la vida, ahora debe aceptar la inminencia de la muerte. Simplemente, a su manera metafísica y anatómicamente gráfica, está representando esta inexorable verdad universal. “Feeding” es una historia sobre la vida y la muerte y con qué frecuencia coexisten, tan estrechamente entrelazadas que rara vez podemos celebrar la primera sin lamentar la segunda. “Tiene las piernas desintegradas, pero está luchando por criar a sus crías, a pesar de las enfermedades evidentes que están innatamente entrelazadas en su existencia”, dice. Lejos de ser una fantasmagoría macabra que surge de algún rincón remoto de un paisaje onírico torturado, este es un capítulo de la historia humana primitiva.
Credit Post By: Mike Mariani