Revista Juxtapoz – Una entrevista con el ganador del Surreal Salon 18, River Reishi

Estamos muy emocionados de compartir nuestra entrevista con el ganador de Surreal Salon 18, River Reishi, seleccionado por el jurado invitado, Swoon. Con motivo de la victoria, hablamos con Reishi sobre el trabajo en la exposición, la historia de Surreal Salon y sus próximos viajes.

Juxtapoz: ¡Felicidades por la gran victoria! ¿Hablar de la obra ganadora, cuál es la historia detrás de ella, el proceso e incluso el proceso de presentación al Salón Surrealista?
River Reishi: La pieza se llama Tensión superficial. Muestra una figura que emerge del agua oscura, con las manos extendidas hacia adelante como si estuviera a punto de atravesar la superficie y entrar en nuestro mundo. Está medio sumergida, suspendida en ese extraño momento entre dos reinos. A su alrededor hay un campo efímero de arena negra y ámbar.

Desde tierra, la superficie del agua parece lisa y transparente, casi vacía. Pero por supuesto esconde un mundo entero que no es el nuestro. Siempre me ha fascinado ese umbral. La instalación intenta retener ese momento exacto donde los dos mundos se encuentran.

La escultura también brilla débilmente desde dentro, lo cual era un poco difícil de ver con la brillante iluminación de la galería, pero se vuelve visible a medida que te acercas. Me gusta esa sorpresa tranquila. La pieza parece quieta al principio, pero da la sensación de que algo está a punto de suceder. El agua es a menudo un símbolo de vida, pero también conlleva peligro y poder. Luisiana y la región del Golfo conocen muy bien esa realidad. Creo que parte de esa tensión llegó al trabajo.

La arena negra que rodea la escultura está suelta y dibujada a mano en patrones, por lo que la instalación sólo existe en esa forma por un corto tiempo. Incluso las pequeñas vibraciones lo modifican. Me interesa esa fragilidad, las obras que no pueden quedarse fijas.

Ya era un honor ser incluido en una muestra curada por Caledonia Curry (Swoon). Cuando llegué para instalar la pieza y vi las otras obras por primera vez, recuerdo haber pensado en lo inquietantes y memorables que eran cada una de ellas. Así que escuchar la pieza anunciada como Best in Show más tarde esa noche me pareció surrealista en el sentido más auténtico.

¿Habías seguido el Salón Surrealista en años anteriores? ¿Qué sabías al respecto?
Había oído hablar del Surreal Salon a través de la comunidad de arte pop surrealista durante años, pero esta era la primera vez que vivía lo suficientemente cerca como para asistir en persona. Seguí escuchando que se sentía un poco como el inicio no oficial de la temporada de Mardi Gras, que la gente venía con trajes elaborados y que toda la noche tenía una atmósfera de celebración, un poco de otro mundo.

De lo que no me di cuenta hasta que participé este año fue que algunas personas realmente diseñan sus disfraces basándose en las obras de arte de la exposición. Fue increíble verlo. En un momento, alguien se me acercó con un disfraz inspirado en mi pieza y verlo modelarlo y explicarme cómo la escultura influyó en el diseño me alegró por completo la noche. ¡Se sentía como si la obra hubiera salido brevemente de la galería y hubiera entrado en la habitación!

Además, fue una maravillosa adición que SWOON fuera el jurado del concurso de este año. Lo hice en el pasado y fue un trabajo duro y gratificante. ¿Qué sabías del trabajo de SWOON y eso influyó en tu presentación?
He admirado el trabajo de Swoon durante mucho tiempo, especialmente sus instalaciones y su forma de moverse entre la escultura, la arquitectura y la intervención pública. Escuché de ella por primera vez en 2009, cuando llevó el proyecto Swimming Cities of Serenissima a la Bienal de Venecia. Una flota de balsas escultóricas flotando en uno de los espacios más formalizados del mundo del arte fue un gesto inolvidable.

El hecho de llegar de esa manera, sin esperar el permiso institucional, pasó a formar parte de la obra de arte misma. Ese tipo de audacia siempre ha estado conmigo. Es difícil ingresar al mundo del arte, especialmente en espacios donde la voz es cuidadosamente seleccionada y curada. Ver a una artista hacerse un espacio de manera tan creativa fue increíblemente inspirador.

También me encanta la dirección que ha tomado su trabajo recientemente con el proyecto Sibylant Sisters. Mi propio trabajo está profundamente inspirado en los mitos y la narración de historias, por lo que ha sido fascinante verla desarrollar ese mundo, crear sus propias cartas de oráculo y construir una mitología viva en torno a su obra. Hay algo poderoso en que los artistas inventen lenguajes simbólicos en los que la gente pueda entrar. Así que tener la oportunidad de conocerla y que ella se topara con una de mis instalaciones fue un momento muy significativo para mí.

Trabajas en diferentes medios y la escultura y la instalación parecen ser tu enfoque. ¿Hablas un poco sobre tu proceso y dónde te sientes más cómodo como maker?
No estoy seguro de sentirme cómodo en ningún medio concreto y creo que eso probablemente sea algo bueno. Tiendo a avanzar hacia cualquier material que considere necesario para la idea en cuestión. En muchos sentidos, mi práctica surgió de limitaciones prácticas. Durante mucho tiempo no tuve un estudio grande, así que tuve que encontrar formas de hacer trabajo que pudiera expandirse temporalmente en un espacio y luego desaparecer nuevamente. De esa realidad surgieron arena, elementos escultóricos modulares y materiales efímeros.

Con el tiempo, esas limitaciones pasaron a formar parte del lenguaje de la obra misma. Me atraen los materiales que tienen una sensación de fragilidad y transformación. La instalación me permite construir un entorno alrededor de la escultura donde esas ideas pueden desarrollarse más plenamente, donde el espectador no sólo mira un objeto sino que entra en un momento o una historia.

¿Qué tipo de artistas te influyeron cuando empezaste a encontrar tu propia voz? Y, como una simpática anécdota, ¿cuál es el último trabajo que te hizo detenerte en seco y volver al estudio y crear?

La voz es un concepto interesante para mí como mujer, porque las mujeres a menudo enfrentan obstáculos particulares cuando se trata del surgimiento de la voz. Se necesita cierta audacia para decir algo y comprometerlo con el arte. En cierto modo le estás pidiendo al mundo que te escuche. Por eso, me inspiran especialmente las mujeres que hacen arte sin pedir permiso.

Mencioné anteriormente lo poderoso que fue para mí saber que Swoon trajo su proyecto Swimming Cities a la Bienal de Venecia. Ese gesto siempre me ha acompañado, no sólo por el trabajo en sí sino por la confianza que hay detrás. La voluntad de reclamar espacio en un mundo que no siempre lo ofrece fácilmente. Momentos como ese me recuerdan que la voz no se trata sólo de lo que dices como artista, sino de permitirte decirlo. Esa idea sigue dando forma a la forma en que abordo mi propio trabajo.

En cuanto a la última obra de arte que me hizo detenerme en seco, visité recientemente el Museo Nacional de Antropología en la Ciudad de México. Recorrer las galerías de cerámica figurativa de diferentes regiones de México fue completamente fascinante. La cerámica maya en particular me dejó sin aliento. Hay tanto espíritu en ellos, tanta sensación de presencia. Encontré una cara de cerámica que me afectó profundamente. He vuelto a verlo varias veces y cada vez salgo sintiéndome más inspirado para volver a la escultura.

¿Qué más tienes preparado este año? ¿Es usted alguien a quien le gusta trabajar en una galería o prefiere medios alternativos para mostrar su trabajo?
Este verano estaré trabajando con Raf Gallery en Reykjavik, Islandia durante el mes de agosto. Un eclipse solar total pasará directamente sobre Reykjavik el 12 de agosto, y más tarde ese mes la ciudad celebra Menningarnótt, un gran festival de arte y cultura en toda la ciudad.

Raf Gallery trabaja tanto con obras de arte como con joyas de ámbar báltico, y siempre me ha atraído el ámbar como material y como objeto mitológico. Para la exposición instalaré una escultura y una instalación de arena que cuenta el mito del nacimiento del ámbar báltico y al mismo tiempo reflexionará sobre la mitología de los eclipses y la relación entre la oscuridad y la luz.

La arena vendrá de la costa local y al final de la exposición invito a la comunidad a desmontar la instalación conmigo. Llevamos la arena de regreso al océano y la devolvemos con un deseo, oración o intención.

Amo Islandia profundamente. La arena negra que uso a menudo en mis instalaciones se inspiró en la playa volcánica de Reynisfjara, por lo que poder crear obras allí durante un momento celestial tan raro resulta muy significativo.

En cuanto a dónde me gusta mostrar mi trabajo, disfruto de muchos contextos diferentes. Mis instalaciones han aparecido en galerías, museos, escaparates vacíos e incluso ayuntamientos. Pero mi lugar favorito para trabajos efímeros es la playa.

Cuando vivía cerca del mar en el estado de Washington, mis amigos y yo a veces construíamos altares temporales con flores, madera flotante, conchas y plantas como ofrendas al agua. La marea se lo llevaría todo lentamente. Hay algo muy especial en construir juntos algo que sólo existe por esa noche.

¿Qué te gustó de toda la experiencia de Surreal Salon? ¿Cuáles fueron algunos de los aspectos más destacados?
Toda la noche tuvo una energía increíble. El vestuario por sí solo era extraordinario, y dondequiera que miraras había otro pequeño momento de creatividad desarrollándose. Música, conversación, artistas reconectándose, personas que descubren trabajo por primera vez. Fue una celebración de la mejor manera.

También hubo un momento inesperado temprano en la noche. Alguien accidentalmente retrocedió hacia la plataforma que sostenía mi instalación, y cuando la plataforma se movió, la arena vibró y muchos de los diseños detallados desaparecieron. Afortunadamente la persona que tropezó estaba completamente bien, que era lo más importante. Pero, de manera extraña, el momento también reveló algo esencial sobre la obra. Algunas personas habían asumido que la arena había sido pegada o pintada en su lugar. Cuando se movió, de repente quedó claro que toda la superficie estaba suelta y dibujada a mano. Me senté junto a la pieza y la reparé con cuidado, volviendo a dibujar los patrones en la arena y el ámbar mientras la gente miraba.

Para mí ese momento capturó el espíritu del trabajo. La instalación sólo existía en esa forma exacta esa noche en particular. Podría recrearse, pero nunca volvería a ser exactamente igual. Todos los presentes estaban presenciando algo temporal, algo que pertenecía sólo a ese momento en el tiempo. Y de una manera que parecía muy apropiada para el Salón Surrealista.

River Reishi es un artista multidisciplinario cuyas esculturas e instalaciones efímeras de arena exploran el mito, el dolor y el misterioso umbral entre mundos. Inspirándose en deidades femeninas del agua y antiguas tradiciones narrativas, trabaja con materiales como arena, ámbar y luz para crear entornos que existen sólo brevemente en el tiempo.

Vea más en riverreishi.com y en Instagram @riverreishi.